#: locale=de-DE
## Tour
### Description
### Title
tour.name = Gerhard Richter - Contemporary Positions
## Skin
### Button
Button_18D4B79A_79FA_38C1_41D1_0529CDF0527D_mobile.label = Ohne Titel (4.2.94)
Button_2CDFBC1D_664B_5E9F_41C6_B75D5EC7262B.label = Gerhard Richter - Eine Spurensuche
Button_2CDFBC1D_664B_5E9F_41C6_B75D5EC7262B_mobile.label = Gerhard Richter - Eine Spurensuche
Button_2EAE1BFC_664F_599D_41D3_56BB98144398.label = Contemporary Positions
Button_2EAE1BFC_664F_599D_41D3_56BB98144398_mobile.label = Contemporary Positions
Button_344314C0_67C7_2FE5_41A5_5F225365D0D9.label = Künstler
Button_344314C0_67C7_2FE5_41A5_5F225365D0D9_mobile.label = Künstler
Button_3443A4BF_67C7_2F9B_41D5_3428066D4D4C.label = Infos
Button_3443A4BF_67C7_2F9B_41D5_3428066D4D4C_mobile.label = Infos
Button_3458882E_67DF_26BD_418F_DB771451C834.label = Infos
Button_3458882E_67DF_26BD_418F_DB771451C834_mobile.label = Infos
Button_34D21888_67DB_6665_41D2_B909085BB3E6.label = Arbeiten
Button_34D21888_67DB_6665_41D2_B909085BB3E6_mobile.label = Arbeiten
Button_6758C6C9_78F6_3843_41C7_15C52E58AAF0.label = Ohne Titel (4.2.94)
Button_70680FD6_69CA_B3B0_41BB_7E85030C8797.label = Römer + Römer
Button_70680FD6_69CA_B3B0_41BB_7E85030C8797_mobile.label = Römer + Römer
Button_7068DFD5_69CA_B3B0_41C5_909EE68145BF.label = Lars Teichmann
Button_7068DFD5_69CA_B3B0_41C5_909EE68145BF_mobile.label = Lars Teichmann
Button_706B7FD4_69CA_B3B0_41D5_7B8D51E25111.label = Edward B. Gordon
Button_706B7FD4_69CA_B3B0_41D5_7B8D51E25111_mobile.label = Edward B. Gordon
Button_70C37219_69C6_6CB0_41D3_E2BFB397AB5D.label = Christian Awe
Button_70C37219_69C6_6CB0_41D3_E2BFB397AB5D_mobile.label = Christian Awe
Button_70F5BADB_69C5_BDB0_41C8_719AB72FCDB1.label = Marion Eichmann
Button_70F5BADB_69C5_BDB0_41C8_719AB72FCDB1_mobile.label = Marion Eichmann
Button_70F66ADC_69C5_BDB0_41CA_9C62365FEF23.label = Cornelia Schleime
Button_70F66ADC_69C5_BDB0_41CA_9C62365FEF23_mobile.label = Cornelia Schleime
Button_70F840E0_69C6_6D90_41C2_FAF3DF4CF834.label = Elisabeth Tatenberg
Button_70F840E0_69C6_6D90_41C2_FAF3DF4CF834_mobile.label = Elisabeth Tatenberg
Button_7A08DE58_6A23_2A71_41C0_13DBDEC51D26.label = 40.000
Button_7A08DE58_6A23_2A71_41C0_13DBDEC51D26_mobile.label = 40.000
Button_7A122E59_6A23_2A73_41D3_31CF8B3636B4.label = VII 91
Button_7A122E59_6A23_2A73_41D3_31CF8B3636B4_mobile.label = VII 91
Button_7A123E5A_6A23_2A71_41CE_00B54612891E.label = Blattecke
Button_7A123E5A_6A23_2A71_41CE_00B54612891E_mobile.label = Blattecke
Button_7AFB21B8_69CE_6FF0_41DA_17150693C184.label = Schließen
Button_7AFB21B8_69CE_6FF0_41DA_17150693C184_mobile.label = Schließen
Button_7BE8FA47_6A27_6A5F_41D0_4E68AE006FCE.label = Hood
Button_7BE8FA47_6A27_6A5F_41D0_4E68AE006FCE_mobile.label = Hood
Button_7BE9AA44_6A27_6A51_41D8_5987A2589E40.label = Prisma I
Button_7BE9AA44_6A27_6A51_41D8_5987A2589E40_mobile.label = Prisma I
Button_7BEB2A4A_6A27_6A51_419C_B92C4DA104D0.label = Sils
Button_7BEB2A4A_6A27_6A51_419C_B92C4DA104D0_mobile.label = Sihl
Button_7BEB6A4C_6A27_6A51_41D3_F7868C7E9BB8.label = Ice 2
Button_7BEB6A4C_6A27_6A51_41D3_F7868C7E9BB8_mobile.label = Ice 2
Button_7BEB8A48_6A27_6A51_41CB_A7226A436A75.label = Atelier
Button_7BEB8A48_6A27_6A51_41CB_A7226A436A75_mobile.label = Atelier
Button_7BEBBA49_6A27_6A53_41C5_F4E541F28410.label = Haut II
Button_7BEBBA49_6A27_6A53_41C5_F4E541F28410_mobile.label = Haut II
Button_7BEBCA4C_6A27_6A51_4141_FF2845772290.label = Kanarische Landschaften II
Button_7BEBCA4C_6A27_6A51_4141_FF2845772290_mobile.label = Kanarische Landschaften II
Button_7DA08106_69DA_EC90_41D1_C1CAA7DEE13C.label = Schließen
Button_7DA08106_69DA_EC90_41D1_C1CAA7DEE13C_mobile.label = Schließen
Button_95887D71_87C2_1ECD_41D2_4F303505BB9A.label = ARTES Shop
Button_95887D71_87C2_1ECD_41D2_4F303505BB9A_mobile.label = ARTES Shop
Button_9AE11027_8D69_73AB_41CE_67B9B67BDDE4.label = ARTES Shop
Button_9AE1202B_8D69_73BB_41CE_DE8B401ED043.label = ARTES Shop
Button_9AE1D024_8D69_73AD_41D6_5036CFA9DAC9.label = ARTES Shop
Button_9AE27029_8D69_73A7_41DD_E587197ED7EF.label = ARTES Shop
Button_9AE2902E_8D69_73BD_41C7_48C35B5E57A6.label = ARTES Shop
Button_9AE32032_8D69_73A5_41C6_A6CD1FBF2AB4.label = ARTES Shop
Button_9AE32036_8D69_73AD_41B4_F843213E7A9B.label = ARTES Shop
Button_9AE3C030_8D69_73A5_41C5_50E4CFFE9289.label = ARTES Shop
Button_9AE73021_8D69_73A7_41AF_FB1BE6F8493A.label = ARTES Shop
Button_9AE8004A_8D69_73E5_41DD_21EA59AE371B.label = ARTES Shop
Button_9AE8B046_8D69_73ED_41C2_0D4337C7637E.label = ARTES Shop
Button_9AE8B049_8D69_73E7_41BA_04220A2E219C.label = ARTES Shop
Button_9AE9504C_8D69_73FD_41D8_B2260815D176.label = ARTES Shop
Button_9AE9504F_8D69_73FB_41B0_8A7F4AB5B6A6.label = ARTES Shop
Button_9AEAB04D_8D69_73FF_41D8_CBC1FCAEDFE5.label = ARTES Shop
Button_9AEC6034_8D69_73AD_41A5_BFDEAB26891E.label = ARTES Shop
Button_9AEC8038_8D69_73A5_41BC_1FE688FF2F1A.label = ARTES Shop
Button_9AED003B_8D69_739B_41E1_64C31D4FCACF.label = ARTES Shop
Button_9AED703F_8D69_739B_41E1_4FA50E68012D.label = ARTES Shop
Button_9AEDF03A_8D69_73A5_41C1_358BFDB31F6E.label = ARTES Shop
Button_9AEE1042_8D69_73E5_41CE_F41C30B4104C.label = ARTES Shop
Button_9AEE903D_8D69_739F_41DA_DCA562108DB2.label = ARTES Shop
Button_9AEEA041_8D69_73E7_41DF_BC65B66FB1D7.label = ARTES Shop
Button_9AEF7044_8D69_73ED_4190_DA70F98BC4BD.label = ARTES Shop
Button_9AEF7047_8D69_73EB_41BD_09E680C29962.label = ARTES Shop
Button_A11B2E86_8842_1A57_41D5_94DE3FC745FE.label = ARTES Shop
Button_A11B2E86_8842_1A57_41D5_94DE3FC745FE_mobile.label = ARTES Shop
Button_A1571FEE_8842_19D7_41CC_296B9C21A3A0.label = ARTES Shop
Button_A1571FEE_8842_19D7_41CC_296B9C21A3A0_mobile.label = ARTES Shop
Button_A1760125_8842_E655_41C6_30A312FE1FEE.label = ARTES Shop
Button_A1760125_8842_E655_41C6_30A312FE1FEE_mobile.label = ARTES Shop
Button_A1971267_8842_EAD5_41DF_85C8006C5D9F.label = ARTES Shop
Button_A1971267_8842_EAD5_41DF_85C8006C5D9F_mobile.label = ARTES Shop
Button_A2777CD1_87C2_1FCD_41AC_CDCF5456AD77.label = ARTES Shop
Button_A2777CD1_87C2_1FCD_41AC_CDCF5456AD77_mobile.label = ARTES Shop
Button_A34E83D2_87C2_69CF_41B0_4E35345E8868.label = ARTES Shop
Button_A34E83D2_87C2_69CF_41B0_4E35345E8868_mobile.label = ARTES Shop
Button_A391F2C2_87C2_6BCF_41E0_8FB28CE4D8F4.label = ARTES Shop
Button_A391F2C2_87C2_6BCF_41E0_8FB28CE4D8F4_mobile.label = ARTES Shop
Button_A3BBC1C5_87C2_69D5_41BF_BBBA4A40A3CC.label = ARTES Shop
Button_A3BBC1C5_87C2_69D5_41BF_BBBA4A40A3CC_mobile.label = ARTES Shop
Button_A3C3B081_87C2_664D_41E0_DBFBFAEDF7C4.label = ARTES Shop
Button_A3C3B081_87C2_664D_41E0_DBFBFAEDF7C4_mobile.label = ARTES Shop
Button_A3EABE29_87C2_1A5D_41B2_DC6C8835C37E.label = ARTES Shop
Button_A3EABE29_87C2_1A5D_41B2_DC6C8835C37E_mobile.label = ARTES Shop
Button_A50AEBBA_87C6_19BF_41A2_43EAC3F74D78.label = ARTES Shop
Button_A50AEBBA_87C6_19BF_41A2_43EAC3F74D78_mobile.label = ARTES Shop
Button_A52B99D9_87C6_19FD_41BB_A26E8BC29EC6.label = ARTES Shop
Button_A52B99D9_87C6_19FD_41BB_A26E8BC29EC6_mobile.label = ARTES Shop
Button_A59FF4CA_87C6_EFDF_41CC_3CC80689D103.label = ARTES Shop
Button_A59FF4CA_87C6_EFDF_41CC_3CC80689D103_mobile.label = ARTES Shop
Button_A79E539C_87CE_2A7B_41B5_DE54834AAE53.label = ARTES Shop
Button_A79E539C_87CE_2A7B_41B5_DE54834AAE53_mobile.label = ARTES Shop
Button_AA129D66_8842_1ED7_41D6_6E5C31D6B7E0.label = ARTES Shop
Button_AA129D66_8842_1ED7_41D6_6E5C31D6B7E0_mobile.label = ARTES Shop
Button_AAB769D3_8842_19CD_41A0_8F74B6BE1BF4.label = ARTES Shop
Button_AAB769D3_8842_19CD_41A0_8F74B6BE1BF4_mobile.label = ARTES Shop
Button_AABAFB27_8842_1A55_41D8_529C2A86BE99.label = ARTES Shop
Button_AABAFB27_8842_1A55_41D8_529C2A86BE99_mobile.label = ARTES Shop
Button_AAC8FC78_8842_1EBB_41E0_E6599BB13758.label = ARTES Shop
Button_AAC8FC78_8842_1EBB_41E0_E6599BB13758_mobile.label = ARTES Shop
Button_AADFADC1_8842_19CD_41D6_549CD77FBE2E.label = ARTES Shop
Button_AADFADC1_8842_19CD_41D6_549CD77FBE2E_mobile.label = ARTES Shop
Button_AAEE4F18_8842_1A7B_41BE_65858162CA3D.label = ARTES Shop
Button_AAEE4F18_8842_1A7B_41BE_65858162CA3D_mobile.label = ARTES Shop
Button_AAFE605F_8842_26F5_41DA_CE20A379E694.label = ARTES Shop
Button_AAFE605F_8842_26F5_41DA_CE20A379E694_mobile.label = ARTES Shop
Button_AB08F1B8_8842_29BB_41CB_9301D4B3A746.label = ARTES Shop
Button_AB08F1B8_8842_29BB_41CB_9301D4B3A746_mobile.label = ARTES Shop
Button_AB25B2FB_8842_2BBD_41DF_AD57E3B4CAB2.label = ARTES Shop
Button_AB25B2FB_8842_2BBD_41DF_AD57E3B4CAB2_mobile.label = ARTES Shop
Button_AB30A447_8842_2ED5_41D5_32234FE11817.label = ARTES Shop
Button_AB30A447_8842_2ED5_41D5_32234FE11817_mobile.label = ARTES Shop
### Multiline Text
HTMLText_336462FC_71B1_6E9A_41BC_E040D865EC07.html = EINE SPURENSUCHE
Gerhard Richter
ARTES Berlin zeigt in der Sonderschau GERHARD RICHTER. EINE SPURENSUCHE 25 Kunstwerke des Künstlers.
Die Editionen und Arbeiten auf Papier sind ein zentrales Merkmal seiner künstlerischen Praxis. Er verändert Details und manchmal ganze Kompositionen bestehender Arbeiten und schafft so Kunstwerke, die gleichsam selbstreferenziell und originär sind.
Viele der streng limitierten Druckgrafiken basieren auf persönlichen Fotografien.
Die Ausstellung beleuchtet das künstlerische Schaffen Richters aus 6 Jahrzehnten. Mit gleich 4 Arbeiten aus den 1960er-Jahren zeigen wir einen bedeutenden Ausschnitt des editorischen Frühwerks.
Die zuletzt erschienenen Werke "Sils" (2016) und "Mao" (2019) bilden den chronologischen Schlussakt einer Spurensuche, die stets zwischen Unikat und Druckgrafik balanciert.
EINE SPURENSUCHE
Gerhard Richter
ARTES Berlin zeigt in der Sonderschau GERHARD RICHTER. EINE SPURENSUCHE 25 Kunstwerke des Künstlers.
Die Editionen und Arbeiten auf Papier sind ein zentrales Merkmal seiner künstlerischen Praxis. Er verändert Details und manchmal ganze Kompositionen bestehender Arbeiten und schafft so Kunstwerke, die gleichsam selbstreferenziell und originär sind.
Viele der streng limitierten Druckgrafiken basieren auf persönlichen Fotografien.
Die Ausstellung beleuchtet das künstlerische Schaffen Richters aus 6 Jahrzehnten.Mit gleich 4 Arbeiten aus den 1960er-Jahren zeigen wir einen bedeutenden Ausschnitt des editorischen Frühwerks.
Die zuletzt erschienenen Werke "Sils" (2016) und "Mao" (2019) bilden den chronologischen Schlussakt einer Spurensuche, die stets zwischen Unikat und Druckgrafik balanciert.
Christian Awe
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
Christian Awe
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
Cornelia Schleime
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Ihre Bilder befinden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden und dem Getty-Museum, Los Angeles. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin, im Ruppiner Land und auf La Palma.
Cornelia Schleime
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Ihre Bilder befinden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden und dem Getty-Museum, Los Angeles. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin, im Ruppiner Land und auf La Palma.
Edward B. Gordon
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
Edward B. Gordon
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
Römer + Römer
Anina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
Römer + Römer
ANina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
Elisabeth Tatenberg
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Die Werke von Elisabeth Tatenberg wurden auf zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, u.a. im Kunsthaus Hamburg und am Kunstpaviljoen Nieuw Roden, Niederlande.
Die Künstlerin lebt und arbeitet im Kunsthaus Hesse Park in Weener.
Elisabeth Tatenberg
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Die Werke von Elisabeth Tatenberg wurden auf zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, u.a. im Kunsthaus Hamburg und am Kunstpaviljoen Nieuw Roden, Niederlande.
Die Künstlerin lebt und arbeitet im Kunsthaus Hesse Park in Weener.
Marion Eichmann
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
Marion Eichmann
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
Lars Teichmann
Der deutsche Maler Lars Teichmann lässt in seinen großformatigen Gemälden historische Malerei und zeitgenössische Attitüde aufeinanderprallen. Ausgangspunkte für seine Werke sind meist Motive aus vergangenen Epochen wie Klassizismus oder Barock.
Die opulenten Darstellungen unterzieht er einem radikalen und expressiven Behandlungsprozess. Teichmann abstrahiert die Personen bis auf ihre Konturen, entzieht den Bildern die Farbvielfalt, fügt Farbschlieren und -kleckse hinzu und übertüncht fast immer die Gesichter mit weißer Farbe. Damit eröffnet er völlig neue Perspektiven auf bestehende Werke und ganze Sujets und hinterfragt unsere traditionellen Betrachtungsgewohnheiten.
Das professionelle Handwerkszeug für seine höchst eigenständigen Bildwelten erlernte Lars Teichmann in einem Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin. Seit 2004 werden seine Werke regelmäßig in deutschen und europäischen Galerien und Kunsthäusern ausgestellt.
Lars Teichmann
Der deutsche Maler Lars Teichmann lässt in seinen großformatigen Gemälden historische Malerei und zeitgenössische Attitüde aufeinanderprallen. Ausgangspunkte für seine Werke sind meist Motive aus vergangenen Epochen wie Klassizismus oder Barock.
Die opulenten Darstellungen unterzieht er einem radikalen und expressiven Behandlungsprozess. Teichmann abstrahiert die Personen bis auf ihre Konturen, entzieht den Bildern die Farbvielfalt, fügt Farbschlieren und -kleckse hinzu und übertüncht fast immer die Gesichter mit weißer Farbe. Damit eröffnet er völlig neue Perspektiven auf bestehende Werke und ganze Sujets und hinterfragt unsere traditionellen Betrachtungsgewohnheiten.
Das professionelle Handwerkszeug für seine höchst eigenständigen Bildwelten erlernte Lars Teichmann in einem Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin. Seit 2004 werden seine Werke regelmäßig in deutschen und europäischen Galerien und Kunsthäusern ausgestellt.
CONTEMPORARY POSITIONS
Marion Eichmann, Cornelia Schleime, Elisabeth Tatenberg, Christian Awe, Edward B. Gordon, Lars Teichmann, Römer + Römer
In unserer Ausstellung CONTEMPORARY POSITIONS dokumentieren wir den aktuellen Status und Diskurs zur Malerei der Gegenwart, gleichsam berichten sie aber auch über die Diversität des Genres.
Die Werke von Cornelia Schleime beschäftigen sich mit dem Sujet des Porträts, die zarten Collagen von Marion Eichmann entwickeln eine enorme Tiefenwirkung und mit dem Künstlerpaar Römer + Römer zeigen wir eine ganz eigene Position der Malerei, die sich durch einen pointilistischen, neoimpressionistischen Duktus auszeichnet.
CONTEMPORARY POSITIONS
Marion Eichmann, Cornelia Schleime, Elisabeth Tatenberg, Christian Awe, Edward B. Gordon, Lars Teichmann, Römer + Römer
In unserer Ausstellung CONTEMPORARY POSITIONS dokumentieren wir den aktuellen Status und Diskurs zur Malerei der Gegenwart, gleichsam berichten sie aber auch über die Diversität des Genres.
Die Werke von Cornelia Schleime beschäftigen sich mit dem Sujet des Porträts, die zarten Collagen von Marion Eichmann entwickeln eine enorme Tiefenwirkung und mit dem Künstlerpaar Römer + Römer zeigen wir eine ganz eigene Position der Malerei, die sich durch einen pointilistischen, neoimpressionistischen Duktus auszeichnet.
Gerhard Richter
"Ich verfolge keine Absichten, kein System, keine Richtung, ich habe kein Programm, keinen Stil, kein Anliegen." Mit diesen Worten beschreibt sich selbst einer der erfolgreichsten und vielseitigsten Künstler unserer Zeit - Gerhard Richter.
Geboren 1932 in Dresden, verließ Richter noch vor dem Mauerbau seine Heimatstadt und ging in den Westen, um hier sein Studium an der Kunstakademie Düsseldorf fortzusetzen. Aufsehen erregte der junge Künstler mit seiner fotorealistischen Malerei von Motiven direkt aus dem heimischen Familienalbum. In einer Zeit und Umgebung, in der vor allem die experimentelle, abstrakte Kunst das Sagen hatte, sorgten Richters Bilder für Furore.
Richters Eigenschaft scheint zu sein, sich immer dann nach neuen Ausdrucksweisen umzusehen, wenn eine von ihm erkundete Methode sich erfolgreich am Kunstmarkt etabliert hat. Nach seiner figurativen Malerei in Grau folgten monochrome Graubilder und die farbigen "Vermalungen", die das Bildmotiv unkenntlich machten. Mitte der 1970er-Jahre lässt er sich auf die Abstraktion ein, nicht minder erfolgreich als mit seinen vorherigen Arbeiten.
Die Vielseitigkeit zieht sich durch Gerhard Richters gesamtes Œuvre. Er ist nicht "nur" Maler, sondern auch Bildhauer und Fotograf, er zeichnet, aquarelliert, macht Performances und Installationen. Seine Fotografien und Grafiken sind inzwischen ebenso begehrt wie seine Malerei, hohe Preise inbegriffen. Seine Gemälde nehmen den Raum ein und entstehen unter vollem körperlichem Einsatz.
Sein Ruhm und die hohen Preise sind dem Künstler selbst manchmal unheimlich, wie er in einem Interview mit der Zeit von 2015 freimütig einräumte. Der Popularität seiner Werke tut dies jedoch keinen Abbruch. Richter ist ein Künstler, der trotz seines herausragenden Status sich selbst treu geblieben ist und lieber seine Kunst sprechen lässt, anstatt sich selbst zu inszenieren.
2011 erzielte sein Ölgemälde "Kerze" von 1982 bei einer Versteigerung eines großen Auktionshauses knapp 12 Millionen Euro. Das Bild gehört zu einer Serie, die Richter Anfang der 1980er Jahre in seinem leicht unscharfen, fotorealistischen Stil malte. Es gilt als Symbol für den schweigenden Protest der DDR-Bürger gegen das sozialistische Regime und wurde zu einem von Richters bekanntesten Motiven.
Als bedeutendster privater Sammler von Gerhard Richter gilt übrigens der britische Musiker Eric Clapton mit über 50 Werken. Und das, wo doch die Arbeiten Richters auf dem Kunstmarkt die teuersten eines lebenden Künstlers sind. Die Leinwand "Abstraktes Bild" von 1986 wurde bei Sotheby’s für 41 Millionen Euro zugeschlagen. Und sogar das grafische Werk Richters wird zum Teil bereits im sechsstelligen Bereich gehandelt.
Gerhard Richter erhielt 1997 den Praemium Imperiale, den "Nobelpreis" der Künste und 2002 als besondere Anerkennung eine umfassende Retrospektive im New Yorker Museum of Modern Art. Mit 188 Werken die größte, die dort jemals einem lebenden Künstler gewidmet wurde.
Gerhard Richter
"Ich verfolge keine Absichten, kein System, keine Richtung, ich habe kein Programm, keinen Stil, kein Anliegen." Mit diesen Worten beschreibt sich selbst einer der erfolgreichsten und vielseitigsten Künstler unserer Zeit - Gerhard Richter.
Geboren 1932 in Dresden, verließ Richter noch vor dem Mauerbau seine Heimatstadt und ging in den Westen, um hier sein Studium an der Kunstakademie Düsseldorf fortzusetzen. Aufsehen erregte der junge Künstler mit seiner fotorealistischen Malerei von Motiven direkt aus dem heimischen Familienalbum. In einer Zeit und Umgebung, in der vor allem die experimentelle, abstrakte Kunst das Sagen hatte, sorgten Richters Bilder für Furore.
Richters Eigenschaft scheint zu sein, sich immer dann nach neuen Ausdrucksweisen umzusehen, wenn eine von ihm erkundete Methode sich erfolgreich am Kunstmarkt etabliert hat. Nach seiner figurativen Malerei in Grau folgten monochrome Graubilder und die farbigen "Vermalungen", die das Bildmotiv unkenntlich machten. Mitte der 1970er-Jahre lässt er sich auf die Abstraktion ein, nicht minder erfolgreich als mit seinen vorherigen Arbeiten.
Die Vielseitigkeit zieht sich durch Gerhard Richters gesamtes Œuvre. Er ist nicht "nur" Maler, sondern auch Bildhauer und Fotograf, er zeichnet, aquarelliert, macht Performances und Installationen. Seine Fotografien und Grafiken sind inzwischen ebenso begehrt wie seine Malerei, hohe Preise inbegriffen. Seine Gemälde nehmen den Raum ein und entstehen unter vollem körperlichem Einsatz.
Sein Ruhm und die hohen Preise sind dem Künstler selbst manchmal unheimlich, wie er in einem Interview mit der Zeit von 2015 freimütig einräumte. Der Popularität seiner Werke tut dies jedoch keinen Abbruch. Richter ist ein Künstler, der trotz seines herausragenden Status sich selbst treu geblieben ist und lieber seine Kunst sprechen lässt, anstatt sich selbst zu inszenieren.
2011 erzielte sein Ölgemälde "Kerze" von 1982 bei einer Versteigerung eines großen Auktionshauses knapp 12 Millionen Euro. Das Bild gehört zu einer Serie, die Richter Anfang der 1980er Jahre in seinem leicht unscharfen, fotorealistischen Stil malte. Es gilt als Symbol für den schweigenden Protest der DDR-Bürger gegen das sozialistische Regime und wurde zu einem von Richters bekanntesten Motiven.
Als bedeutendster privater Sammler von Gerhard Richter gilt übrigens der britische Musiker Eric Clapton mit über 50 Werken. Und das, wo doch die Arbeiten Richters auf dem Kunstmarkt die teuersten eines lebenden Künstlers sind. Die Leinwand "Abstraktes Bild" von 1986 wurde bei Sotheby’s für 41 Millionen Euro zugeschlagen. Und sogar das grafische Werk Richters wird zum Teil bereits im sechsstelligen Bereich gehandelt.
Gerhard Richter erhielt 1997 den Praemium Imperiale, den "Nobelpreis" der Künste und 2002 als besondere Anerkennung eine umfassende Retrospektive im New Yorker Museum of Modern Art. Mit 188 Werken die größte, die dort jemals einem lebenden Künstler gewidmet wurde.
EINE SPURENSUCHE
Gerhard Richter
ARTES Berlin zeigt in der Sonderschau GERHARD RICHTER. EINE SPURENSUCHE 25 Kunstwerke des Künstlers.
Die Editionen und Arbeiten auf Papier sind ein zentrales Merkmal seiner künstlerischen Praxis. Er verändert Details und manchmal ganze Kompositionen bestehender Arbeiten und schafft so Kunstwerke, die gleichsam selbstreferenziell und originär sind.
Viele der streng limitierten Druckgrafiken basieren auf persönlichen Fotografien.
Die Ausstellung beleuchtet das künstlerische Schaffen Richters aus 6 Jahrzehnten.Mit gleich 4 Arbeiten aus den 1960er-Jahren zeigen wir einen bedeutenden Ausschnitt des editorischen Frühwerks.
Die zuletzt erschienenen Werke "Sils" (2016) und "Mao" (2019) bilden den chronologischen Schlussakt einer Spurensuche, die stets zwischen Unikat und Druckgrafik balanciert.
EINE SPURENSUCHE
Gerhard Richter
ARTES Berlin zeigt in der Sonderschau GERHARD RICHTER. EINE SPURENSUCHE 25 Kunstwerke des Künstlers.
Die Editionen und Arbeiten auf Papier sind ein zentrales Merkmal seiner künstlerischen Praxis. Er verändert Details und manchmal ganze Kompositionen bestehender Arbeiten und schafft so Kunstwerke, die gleichsam selbstreferenziell und originär sind.
Viele der streng limitierten Druckgrafiken basieren auf persönlichen Fotografien.
Die Ausstellung beleuchtet das künstlerische Schaffen Richters aus 6 Jahrzehnten.Mit gleich 4 Arbeiten aus den 1960er-Jahren zeigen wir einen bedeutenden Ausschnitt des editorischen Frühwerks.
Die zuletzt erschienenen Werke "Sils" (2016) und "Mao" (2019) bilden den chronologischen Schlussakt einer Spurensuche, die stets zwischen Unikat und Druckgrafik balanciert.
CONTEMPORARY POSITIONS
Marion Eichmann, Cornelia Schleime, Elisabeth Tatenberg, Christian Awe, Edward B. Gordon, Lars Teichmann, Römer + Römer
In unserer Ausstellung CONTEMPORARY POSITIONS dokumentieren wir den aktuellen Status und Diskurs zur Malerei der Gegenwart, gleichsam berichten sie aber auch über die Diversität des Genres.
Die Werke von Cornelia Schleime beschäftigen sich mit dem Sujet des Porträts, die zarten Collagen von Marion Eichmann entwickeln eine enorme Tiefenwirkung und mit dem Künstlerpaar Römer + Römer zeigen wir eine ganz eigene Position der Malerei, die sich durch einen pointilistischen, neoimpressionistischen Duktus auszeichnet.
CONTEMPORARY POSITIONS
Marion Eichmann, Cornelia Schleime, Elisabeth Tatenberg, Christian Awe, Edward B. Gordon, Lars Teichmann, Römer + Römer
In unserer Ausstellung CONTEMPORARY POSITIONS dokumentieren wir den aktuellen Status und Diskurs zur Malerei der Gegenwart, gleichsam berichten sie aber auch über die Diversität des Genres.
Die Werke von Cornelia Schleime beschäftigen sich mit dem Sujet des Porträts, die zarten Collagen von Marion Eichmann entwickeln eine enorme Tiefenwirkung und mit dem Künstlerpaar Römer + Römer zeigen wir eine ganz eigene Position der Malerei, die sich durch einen pointilistischen, neoimpressionistischen Duktus auszeichnet.
"Prisma I" (2002)
Gerhard Richter
Limitiert, gesamt 100 Exemplare | signiert | nummeriert | datiert |Schwerflintglas | Format 4,7 cm x 16 cm x 4,1 (H x B x T)
"Prisma I" (2002)
Gerhard Richter
Limitiert, gesamt 100 Exemplare | signiert | nummeriert | datiert |Schwerflintglas | Format 4,7 cm x 16 cm x 4,1 (H x B x T)
"Himmel vom 16.10.2020, 7:14" (2020)
Elisabeth Tatenberg
Unikat | signiert | Öl auf Holz | gerahmt | Format 25,5 x 25,5 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Die Werke von Elisabeth Tatenberg wurden auf zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, u.a. im Kunsthaus Hamburg und am Kunstpaviljoen Nieuw Roden, Niederlande.
Die Künstlerin lebt und arbeitet im Kunsthaus Hesse Park in Weener.
"Haut II" (2004)
Gerhard Richter
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
"VII 91" (1991)
Gerhard Richter
Unikat | signiert | Tusche auf Papier | gerahmt | Format 31,5 x 43,5 cm
"40.000" (2008)
Gerhard Richter
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
"Oranger Stuhl" (2014)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 30 x 40 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Blumen Flecken" (2016)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 102,5 x 72,5 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"T. Atelier Gelbe Lampe" (2015)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Blattecke" (1967)
Gerhard Richter
Nicht limitiert | nummeriert | signiert | datiert | Offsetdruck auf Halbkarton | gerahmt | Format 27 x 22 cm
Offsetdruck auf granuliertem Halbkarton, begonnen 1967. Unlimitierte Auflage, nummeriert, datiert und handsigniert (hier angeboten 19.2.2014). Motivgröße/Blattformat 23,5 x 18 cm. Format im Rahmen 27 x 22 cm wie Abbildung.
"Ice 2" (2003)
Gerhard Richter
Limitiert | nummeriert | handsigniert | datiert | betitelt | Farbsiebdruck auf Papier | gerahmt | Format 131 x 108 cm
Die großformatige Farbserigrafie "ICE 2" entstand nach einem malerischen Vorbild und nimmt Gerhard Richters Ölgemälde "Eis 2" von 1989 zur Grundlage, das sich in der Sammlung des Art Institute of Chicago befindet.
In handwerklich virtuoser Manier wurde der Siebdruck mit 41 Farben auf elfenbeinfarbigem Büttenkarton gedruckt. Über einen dunkelgrauen Grund ziehen sich von nach unten weiße, gerakelte Farbbahnen, die partiell mit polychromen Highlights gewitterartig, überlagert werden.
Eine Komposition, die durch ihre brillante Farbbalance begeistert. Das Blatt wird nur extrem selten auf dem Markt angeboten.
Original-Farbsiebdruck, 2003. Auflage: 108 Exemplare + 18 A.P.- Exemplare (hier angeboten) + 9 P.P.- Exemplare + 4 H.C.- Exemplare + 1 Druckprobe auf Bütten, nummeriert, handsigniert, datiert und betitelt. Motivgröße/ Blattformat 111,5 x 89 cm. Format im Rahmen 131 x 108 cm wie Abbildung.
"Prisma I" (2002)
Gerhard Richter
Limitiert, gesamt 100 Exemplare | signiert | nummeriert | datiert |Schwerflintglas | Format 4,7 cm x 16 cm x 4,1 (H x B x T)
"Ich brauche keinen (742)" (2018)
Cornelia Schleime
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Schellack auf Leinwand | ungerahmt | Format 100 x 80 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Ihre Bilder befinden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden und dem Getty-Museum, Los Angeles. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin, im Ruppiner Land und auf La Palma.
"11.9.2011, 19:38, I" (2014)
Elisabeth Tatenberg
Unikat | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 120 x 150 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Die Werke von Elisabeth Tatenberg wurden auf zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, u.a. im Kunsthaus Hamburg und am Kunstpaviljoen Nieuw Roden, Niederlande.
Die Künstlerin lebt und arbeitet im Kunsthaus Hesse Park in Weener.
"Atelier" (1968)
Gerhard Richter
Limitiert, 150 Exemplare | nummeriert | signiert | Offsetdruck auf Papier | gerahmt | Format 41 x 51 cm
Die Arbeit "Atelier" wurde von Gerhard Richter für den Beitrag der Galerie René Block zur Kölner Kunstmarktmappe von 1968 angefertigt.
"Girl with Ram" (2020)
Lars Teichmann
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Lack auf Leinwand | ungerahmt | Format 200 x 160 cm
Der deutsche Maler Lars Teichmann lässt in seinen großformatigen Gemälden historische Malerei und zeitgenössische Attitüde aufeinanderprallen. Ausgangspunkte für seine Werke sind meist Motive aus vergangenen Epochen wie Klassizismus oder Barock.
Die opulenten Darstellungen unterzieht er einem radikalen und expressiven Behandlungsprozess. Teichmann abstrahiert die Personen bis auf ihre Konturen, entzieht den Bildern die Farbvielfalt, fügt Farbschlieren und -kleckse hinzu und übertüncht fast immer die Gesichter mit weißer Farbe. Damit eröffnet er völlig neue Perspektiven auf bestehende Werke und ganze Sujets und hinterfragt unsere traditionellen Betrachtungsgewohnheiten.
Das professionelle Handwerkszeug für seine höchst eigenständigen Bildwelten erlernte Lars Teichmann in einem Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin. Seit 2004 werden seine Werke regelmäßig in deutschen und europäischen Galerien und Kunsthäusern ausgestellt.
"Im Sommer wird alles wieder gut" (2021)
Edward B. Gordon
Unikat | signiert | datiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 240 x 190 cm
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
"Blauer Sessel" (2015)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 40 x 30 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Sils" (2016)
Gerhard Richter
Serielles Unikat | limitiert, 100 Exemplare | nummeriert | datiert | Bleistiftzeichnung über Offsetdruck auf Halbkarton | gerahmt | Format 54 x 41 cm
Die nach dem Engadiner Ort Sils-Maria betitelte Arbeit Gerhard Richters ist in der Konzeption und Ausführung besonders raffiniert. Ausgangspunkt für dieses serielle Unikat ist ein in zehn Graustufen gedruckter Pigmentprint einer Grafitzeichnung aus dem Jahr 2015, der der Künstler durch Verwischen der Grafitspuren, partielle Ausradierungen und das abschließende Auftragen einer körnigen Grafit-Struktur eine geheimnisvolle Anmutung gab.
So entstand eine zarte Atmosphäre feinster Halbtöne, die vage eine Landschaft umschreibt. Jedes Blatt der Offsetdruck-Auflage dieser Zeichnung bearbeitete Richter anschließend individuell mit Bleistift. Die klar voneinander abgesetzten Bleistiftstriche bilden dabei einen reizvollen Kontrast zu der Ausgangszeichnung und machen das Blatt zu einem Unikat in Serie.
Bleistiftzeichnung über Offsetdruck der Zeichnung vom 6. Aug. 2015 auf leichtem Karton. Auflage: 100 Exemplare (serielle Unikate), handsigniert, nummeriert und datiert. Butin Editionsverzeichnis CR170. Motivgröße 31 x 22 cm. Blattformat 43 x 31 cm. Format im Rahmen 54 x 41 cm wie Abbildung.
"T. Atelier Blaue Vase + Stuhl" (2015)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Herzfieber" (2007)
Cornelia Schleime
Schellack, Asphaltlack und Acryl auf Leinwand, 2007. Signiert. Ungerahmt. Format auf Keilrahmen gespannt 140 x 160 cm.
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Ihre Bilder befinden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden und dem Getty-Museum, Los Angeles. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin, im Ruppiner Land und auf La Palma.
"Hood" (1996)
Gerhard Richter
Limitiert, 20 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | Offsetdruck auf Bütten | gerahmt | Format 49 x 48,5 cm
Aus "50 Ansichten des Berges Fuji_vom Zug aus betrachtet" (2010)
Römer+Römer
Unikate | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 24 x 30 cm
Nina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
"couleur sous-marine" (2021)
Christian Awe
Unikat | signiert | datiert | Acryl auf Leinwand | ungerahmt | Format 210 x 260 cm
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
"Farbenspiele XVII" (2018)
Christian Awe
Unikat | signiert | Acryl auf Papier | gerahmt | Format 85,5 x 65,5 cm
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
"Ohne Titel (4.2.94)" (1994)
Gerhard Richter
Unikat | signiert | datiert | Übermalte Fotografie| gerahmt | Format 43,5 x 52 cm
"Kanarische Landschaften II" (1971)
Gerhard Richter
Limitiert, 50 Exemplare | nummeriert | signiert | Heliogravur | gerahmt | Format 44 x 53 cm
Gerhard Richter zeigt sich als begeisterter Fotograf, der immer wieder Aufnahmen von Landschaften in Editionen umwandelt. Seine "Kanarischen Landschaften" basieren auf Fotografien, die er 1969 anfertigte. Die schmalen Linien, die jedes Bild umrahmen, geben dem Blatt einen dekorativen Charakter und stehen im Kontrast zum Bildmotiv, das kaum räumliche Tiefe vermittelt.
Für Richter ist bereits die Auswahl der Fotografie der Schritt zum Kunstwerk: "Ich versuchte, nichts Greifbares zu finden (...). Es ist also eine Art Flucht."
Original-Heliogravur, 1971. Aus einem Portfolio von sechs Motiven. Auflage 50 Exemplare auf Maschinenbüttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 11,5 x 22,7 cm. Blattformat 39,5 x 50 cm. Format im Rahmen 44 x 53 cm wie Abbildung.
"T. Atelier Gelbe Lampe" (2015)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"T. Atelier Gelbe Lampe" (2015)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Oranger Stuhl" (2014)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 30 x 40 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Oranger Stuhl" (2014)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 30 x 40 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"T. Atelier Blaue Vase + Stuhl" (2015)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"T. Atelier Blaue Vase + Stuhl" (2015)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Blauer Sessel" (2015)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 40 x 30 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Blauer Sessel" (2015)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 40 x 30 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Ice 2" (2003)
Gerhard Richter
Limitiert | nummeriert | handsigniert | datiert | betitelt | Farbsiebdruck auf Papier | gerahmt | Format 131 x 108 cm
Die großformatige Farbserigrafie "ICE 2" entstand nach einem malerischen Vorbild und nimmt Gerhard Richters Ölgemälde "Eis 2" von 1989 zur Grundlage, das sich in der Sammlung des Art Institute of Chicago befindet.
In handwerklich virtuoser Manier wurde der Siebdruck mit 41 Farben auf elfenbeinfarbigem Büttenkarton gedruckt. Über einen dunkelgrauen Grund ziehen sich von nach unten weiße, gerakelte Farbbahnen, die partiell mit polychromen Highlights gewitterartig, überlagert werden.
Eine Komposition, die durch ihre brillante Farbbalance begeistert. Das Blatt wird nur extrem selten auf dem Markt angeboten.
Original-Farbsiebdruck, 2003. Auflage: 108 Exemplare + 18 A.P.- Exemplare (hier angeboten) + 9 P.P.- Exemplare + 4 H.C.- Exemplare + 1 Druckprobe auf Bütten, nummeriert, handsigniert, datiert und betitelt. Motivgröße/ Blattformat 111,5 x 89 cm. Format im Rahmen 131 x 108 cm wie Abbildung.
"Ice 2" (2003)
Gerhard Richter
Limitiert | nummeriert | handsigniert | datiert | betitelt | Farbsiebdruck auf Papier | gerahmt | Format 131 x 108 cm
Die großformatige Farbserigrafie "ICE 2" entstand nach einem malerischen Vorbild und nimmt Gerhard Richters Ölgemälde "Eis 2" von 1989 zur Grundlage, das sich in der Sammlung des Art Institute of Chicago befindet.
In handwerklich virtuoser Manier wurde der Siebdruck mit 41 Farben auf elfenbeinfarbigem Büttenkarton gedruckt. Über einen dunkelgrauen Grund ziehen sich von nach unten weiße, gerakelte Farbbahnen, die partiell mit polychromen Highlights gewitterartig, überlagert werden.
Eine Komposition, die durch ihre brillante Farbbalance begeistert. Das Blatt wird nur extrem selten auf dem Markt angeboten.
Original-Farbsiebdruck, 2003. Auflage: 108 Exemplare + 18 A.P.- Exemplare (hier angeboten) + 9 P.P.- Exemplare + 4 H.C.- Exemplare + 1 Druckprobe auf Bütten, nummeriert, handsigniert, datiert und betitelt. Motivgröße/ Blattformat 111,5 x 89 cm. Format im Rahmen 131 x 108 cm wie Abbildung.
"Kanarische Landschaften II" (1971)
Gerhard Richter
Limitiert, 50 Exemplare | nummeriert | signiert | Heliogravur | gerahmt | Format 44 x 53 cm
Gerhard Richter zeigt sich als begeisterter Fotograf, der immer wieder Aufnahmen von Landschaften in Editionen umwandelt. Seine "Kanarischen Landschaften" basieren auf Fotografien, die er 1969 anfertigte. Die schmalen Linien, die jedes Bild umrahmen, geben dem Blatt einen dekorativen Charakter und stehen im Kontrast zum Bildmotiv, das kaum räumliche Tiefe vermittelt.
Für Richter ist bereits die Auswahl der Fotografie der Schritt zum Kunstwerk: "Ich versuchte, nichts Greifbares zu finden (...). Es ist also eine Art Flucht."
Original-Heliogravur, 1971. Aus einem Portfolio von sechs Motiven. Auflage 50 Exemplare auf Maschinenbüttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 11,5 x 22,7 cm. Blattformat 39,5 x 50 cm. Format im Rahmen 44 x 53 cm wie Abbildung.
"Kanarische Landschaften II" (1971)
Gerhard Richter
Limitiert, 50 Exemplare | nummeriert | signiert | Heliogravur | gerahmt | Format 44 x 53 cm
Gerhard Richter zeigt sich als begeisterter Fotograf, der immer wieder Aufnahmen von Landschaften in Editionen umwandelt. Seine "Kanarischen Landschaften" basieren auf Fotografien, die er 1969 anfertigte. Die schmalen Linien, die jedes Bild umrahmen, geben dem Blatt einen dekorativen Charakter und stehen im Kontrast zum Bildmotiv, das kaum räumliche Tiefe vermittelt.
Für Richter ist bereits die Auswahl der Fotografie der Schritt zum Kunstwerk: "Ich versuchte, nichts Greifbares zu finden (...). Es ist also eine Art Flucht."
Original-Heliogravur, 1971. Aus einem Portfolio von sechs Motiven. Auflage 50 Exemplare auf Maschinenbüttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 11,5 x 22,7 cm. Blattformat 39,5 x 50 cm. Format im Rahmen 44 x 53 cm wie Abbildung.
"Ohne Titel (4.2.94)" (1994)
Gerhard Richter
Unikat | signiert | datiert | Übermalte Fotografie| gerahmt | Format 43,5 x 52 cm
"Ohne Titel (4.2.94)" (1994)
Gerhard Richter
Unikat | signiert | datiert | Übermalte Fotografie| gerahmt | Format 43,5 x 52 cm
"Sils" (2016)
Gerhard Richter
Serielles Unikat | limitiert, 100 Exemplare | nummeriert | datiert | Bleistiftzeichnung über Offsetdruck auf Halbkarton | gerahmt | Format 54 x 41 cm
Die nach dem Engadiner Ort Sils-Maria betitelte Arbeit Gerhard Richters ist in der Konzeption und Ausführung besonders raffiniert. Ausgangspunkt für dieses serielle Unikat ist ein in zehn Graustufen gedruckter Pigmentprint einer Grafitzeichnung aus dem Jahr 2015, der der Künstler durch Verwischen der Grafitspuren, partielle Ausradierungen und das abschließende Auftragen einer körnigen Grafit-Struktur eine geheimnisvolle Anmutung gab.
So entstand eine zarte Atmosphäre feinster Halbtöne, die vage eine Landschaft umschreibt. Jedes Blatt der Offsetdruck-Auflage dieser Zeichnung bearbeitete Richter anschließend individuell mit Bleistift. Die klar voneinander abgesetzten Bleistiftstriche bilden dabei einen reizvollen Kontrast zu der Ausgangszeichnung und machen das Blatt zu einem Unikat in Serie.
Bleistiftzeichnung über Offsetdruck der Zeichnung vom 6. Aug. 2015 auf leichtem Karton. Auflage: 100 Exemplare (serielle Unikate), handsigniert, nummeriert und datiert. Butin Editionsverzeichnis CR170. Motivgröße 31 x 22 cm. Blattformat 43 x 31 cm. Format im Rahmen 54 x 41 cm wie Abbildung.
"Sils" (2016)
Gerhard Richter
Serielles Unikat | limitiert, 100 Exemplare | nummeriert | datiert | Bleistiftzeichnung über Offsetdruck auf Halbkarton | gerahmt | Format 54 x 41 cm
Die nach dem Engadiner Ort Sils-Maria betitelte Arbeit Gerhard Richters ist in der Konzeption und Ausführung besonders raffiniert. Ausgangspunkt für dieses serielle Unikat ist ein in zehn Graustufen gedruckter Pigmentprint einer Grafitzeichnung aus dem Jahr 2015, der der Künstler durch Verwischen der Grafitspuren, partielle Ausradierungen und das abschließende Auftragen einer körnigen Grafit-Struktur eine geheimnisvolle Anmutung gab.
So entstand eine zarte Atmosphäre feinster Halbtöne, die vage eine Landschaft umschreibt. Jedes Blatt der Offsetdruck-Auflage dieser Zeichnung bearbeitete Richter anschließend individuell mit Bleistift. Die klar voneinander abgesetzten Bleistiftstriche bilden dabei einen reizvollen Kontrast zu der Ausgangszeichnung und machen das Blatt zu einem Unikat in Serie.
Bleistiftzeichnung über Offsetdruck der Zeichnung vom 6. Aug. 2015 auf leichtem Karton. Auflage: 100 Exemplare (serielle Unikate), handsigniert, nummeriert und datiert. Butin Editionsverzeichnis CR170. Motivgröße 31 x 22 cm. Blattformat 43 x 31 cm. Format im Rahmen 54 x 41 cm wie Abbildung.
"Blattecke" (1967)
Gerhard Richter
Nicht limitiert | nummeriert | signiert | datiert | Offsetdruck auf Halbkarton | gerahmt | Format 27 x 22 cm
Offsetdruck auf granuliertem Halbkarton, begonnen 1967. Unlimitierte Auflage, nummeriert, datiert und handsigniert (hier angeboten 19.2.2014). Motivgröße/Blattformat 23,5 x 18 cm. Format im Rahmen 27 x 22 cm wie Abbildung.
"Blattecke" (1967)
Gerhard Richter
Nicht limitiert | nummeriert | signiert | datiert | Offsetdruck auf Halbkarton | gerahmt | Format 27 x 22 cm
Offsetdruck auf granuliertem Halbkarton, begonnen 1967. Unlimitierte Auflage, nummeriert, datiert und handsigniert (hier angeboten 19.2.2014). Motivgröße/Blattformat 23,5 x 18 cm. Format im Rahmen 27 x 22 cm wie Abbildung.
"VII 91" (1991)
Gerhard Richter
Unikat | signiert | Tusche auf Papier | gerahmt | Format 31,5 x 43,5 cm
"VII 91" (1991)
Gerhard Richter
Unikat | signiert | Tusche auf Papier | gerahmt | Format 31,5 x 43,5 cm
"40.000" (2008)
Gerhard Richter
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
"40.000" (2008)
Gerhard Richter
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
"Atelier" (1968)
Gerhard Richter
Limitiert, 150 Exemplare | nummeriert | signiert | Offsetdruck auf Papier | gerahmt | Format 41 x 51 cm
Die Arbeit "Atelier" wurde von Gerhard Richter für den Beitrag der Galerie René Block zur Kölner Kunstmarktmappe von 1968 angefertigt.
"Atelier" (1968)
Gerhard Richter
Limitiert, 150 Exemplare | nummeriert | signiert | Offsetdruck auf Papier | gerahmt | Format 41 x 51 cm
Die Arbeit "Atelier" wurde von Gerhard Richter für den Beitrag der Galerie René Block zur Kölner Kunstmarktmappe von 1968 angefertigt.
"Haut II" (2004)
Gerhard Richter
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
"Haut II" (2004)
Gerhard Richter
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
"Hood" (1996)
Gerhard Richter
Limitiert, 20 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | Offsetdruck auf Bütten | gerahmt | Format 49 x 48,5 cm
"Hood" (1996)
Gerhard Richter
Limitiert, 20 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | Offsetdruck auf Bütten | gerahmt | Format 49 x 48,5 cm
"couleur sous-marine" (2021)
Christian Awe
Unikat | signiert | datiert | Acryl auf Leinwand | ungerahmt | Format 210 x 260 cm
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
"couleur sous-marine" (2021)
Christian Awe
Unikat | signiert | datiert | Acryl auf Leinwand | ungerahmt | Format 210 x 260 cm
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
"Farbenspiele XVII" (2018)
Christian Awe
Unikat | signiert | Acryl auf Papier | gerahmt | Format 85,5 x 65,5 cm
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
"Farbenspiele XVII" (2018)
Christian Awe
Unikat | signiert | Acryl auf Papier | gerahmt | Format 85,5 x 65,5 cm
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
"Himmel vom 16.10.2020, 7:14" (2020)
Elisabeth Tatenberg
Unikat | signiert | Öl auf Holz | gerahmt | Format 25,5 x 25,5 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Die Werke von Elisabeth Tatenberg wurden auf zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, u.a. im Kunsthaus Hamburg und am Kunstpaviljoen Nieuw Roden, Niederlande.
Die Künstlerin lebt und arbeitet im Kunsthaus Hesse Park in Weener.
"Himmel vom 16.10.2020, 7:14" (2020)
Elisabeth Tatenberg
Unikat | signiert | Öl auf Holz | gerahmt | Format 25,5 x 25,5 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Die Werke von Elisabeth Tatenberg wurden auf zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, u.a. im Kunsthaus Hamburg und am Kunstpaviljoen Nieuw Roden, Niederlande.
Die Künstlerin lebt und arbeitet im Kunsthaus Hesse Park in Weener.
"Girl with Ram" (2020)
Lars Teichmann
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Lack auf Leinwand | ungerahmt | Format 200 x 160 cm
Der deutsche Maler Lars Teichmann lässt in seinen großformatigen Gemälden historische Malerei und zeitgenössische Attitüde aufeinanderprallen. Ausgangspunkte für seine Werke sind meist Motive aus vergangenen Epochen wie Klassizismus oder Barock.
Die opulenten Darstellungen unterzieht er einem radikalen und expressiven Behandlungsprozess. Teichmann abstrahiert die Personen bis auf ihre Konturen, entzieht den Bildern die Farbvielfalt, fügt Farbschlieren und -kleckse hinzu und übertüncht fast immer die Gesichter mit weißer Farbe. Damit eröffnet er völlig neue Perspektiven auf bestehende Werke und ganze Sujets und hinterfragt unsere traditionellen Betrachtungsgewohnheiten.
Das professionelle Handwerkszeug für seine höchst eigenständigen Bildwelten erlernte Lars Teichmann in einem Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin. Seit 2004 werden seine Werke regelmäßig in deutschen und europäischen Galerien und Kunsthäusern ausgestellt.
"Girl with Ram" (2020)
Lars Teichmann
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Lack auf Leinwand | ungerahmt | Format 200 x 160 cm
Der deutsche Maler Lars Teichmann lässt in seinen großformatigen Gemälden historische Malerei und zeitgenössische Attitüde aufeinanderprallen. Ausgangspunkte für seine Werke sind meist Motive aus vergangenen Epochen wie Klassizismus oder Barock.
Die opulenten Darstellungen unterzieht er einem radikalen und expressiven Behandlungsprozess. Teichmann abstrahiert die Personen bis auf ihre Konturen, entzieht den Bildern die Farbvielfalt, fügt Farbschlieren und -kleckse hinzu und übertüncht fast immer die Gesichter mit weißer Farbe. Damit eröffnet er völlig neue Perspektiven auf bestehende Werke und ganze Sujets und hinterfragt unsere traditionellen Betrachtungsgewohnheiten.
Das professionelle Handwerkszeug für seine höchst eigenständigen Bildwelten erlernte Lars Teichmann in einem Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin. Seit 2004 werden seine Werke regelmäßig in deutschen und europäischen Galerien und Kunsthäusern ausgestellt.
"Im Sommer wird alles wieder gut" (2021)
Edward B. Gordon
Unikat | signiert | datiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 240 x 190 cm
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
"Im Sommer wird alles wieder gut" (2021)
Edward B. Gordon
Unikat | signiert | datiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 240 x 190 cm
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
"11.9.2011, 19:38, I" (2014)
Elisabeth Tatenberg
Unikat | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 120 x 150 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Die Werke von Elisabeth Tatenberg wurden auf zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, u.a. im Kunsthaus Hamburg und am Kunstpaviljoen Nieuw Roden, Niederlande.
Die Künstlerin lebt und arbeitet im Kunsthaus Hesse Park in Weener.
"11.9.2011, 19:38, I" (2014)
Elisabeth Tatenberg
Unikat | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 120 x 150 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Die Werke von Elisabeth Tatenberg wurden auf zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, u.a. im Kunsthaus Hamburg und am Kunstpaviljoen Nieuw Roden, Niederlande.
Die Künstlerin lebt und arbeitet im Kunsthaus Hesse Park in Weener.
Aus "50 Ansichten des Berges Fuji_vom Zug aus betrachtet" (2010)
Römer+Römer
Unikate | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 24 x 30 cm
Nina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
"50 Ansichten des Berges Fuji_vom Zug aus betrachtet" (2010)
Römer+Römer
Unikate | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 24 x 30 cm
Nina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
"Ich brauche keinen (742)" (2018)
Cornelia Schleime
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Schellack auf Leinwand | ungerahmt | Format 100 x 80 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Ihre Bilder befinden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden und dem Getty-Museum, Los Angeles. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin, im Ruppiner Land und auf La Palma.
"Ich brauche keinen (742)" (2018)
Cornelia Schleime
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Schellack auf Leinwand | ungerahmt | Format 100 x 80 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Ihre Bilder befinden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden und dem Getty-Museum, Los Angeles. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin, im Ruppiner Land und auf La Palma.
"Herzfieber" (2007)
Cornelia Schleime
Schellack, Asphaltlack und Acryl auf Leinwand, 2007. Signiert. Ungerahmt. Format auf Keilrahmen gespannt 140 x 160 cm.
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Ihre Bilder befinden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden und dem Getty-Museum, Los Angeles. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin, im Ruppiner Land und auf La Palma.
"Herzfieber" (2007)
Cornelia Schleime
Schellack, Asphaltlack und Acryl auf Leinwand, 2007. Signiert. Ungerahmt. Format auf Keilrahmen gespannt 140 x 160 cm.
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Ihre Bilder befinden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden und dem Getty-Museum, Los Angeles. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin, im Ruppiner Land und auf La Palma.
"Blumen Flecken" (2016)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 102,5 x 72,5 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
"Blumen Flecken" (2016)
Marion Eichmann
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 102,5 x 72,5 cm
Ein Telefon, ein Besen oder Bücher, eine Straßenszene oder ein Blick aus dem Fenster - Marion Eichmann findet die Inspiration für ihre Objekte, Zeichnungen, Installationen und Collagen in ihrer alltäglichen Umgebung. Dabei reduziert sie ihre Motive sehr stark, fast bis auf die Konturen wie in einer Skizze, doch die wichtigen Details bleiben immer erkennbar.
Was die Künstlerin entdeckt, fixiert sie zuerst mit Bleistift. Anschließend konkretisiert sie die Linien mit dem Fineliner. Farbe wird in Eichmanns Werken nicht mit dem Pinsel aufgetragen. Sie erhält Präsenz durch edles Canson-Fine-Art-Papier, welches ausgeschnitten und aufgeklebt wird, oft in mehreren Lagen, was die Farbe modelliert und ein Relief entstehen lässt. So entstehen faszinierende Objektkästen, die zum Schauen und Entdecken einladen.
Eichmann, geboren 1974 in Essen, hatte an der Kunsthochschule Berlin Weißensee Textil- und Flächendesign studiert und war Meisterschülerin. Für ihre Diplomarbeit hatte sie ein Zimmer mitsamt Interieur eingestrickt - mit exakt 16.324.800 Maschen.
Sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet, zeigte ihre Arbeiten bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen und hat regelmäßig Lehraufträge.
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Lack auf Leinwand | ungerahmt | Format 200 x 160 cm
Der deutsche Maler Lars Teichmann lässt in seinen großformatigen Gemälden historische Malerei und zeitgenössische Attitüde aufeinanderprallen. Ausgangspunkte für seine Werke sind meist Motive aus vergangenen Epochen wie Klassizismus oder Barock.
Die opulenten Darstellungen unterzieht er einem radikalen und expressiven Behandlungsprozess. Teichmann abstrahiert die Personen bis auf ihre Konturen, entzieht den Bildern die Farbvielfalt, fügt Farbschlieren und -kleckse hinzu und übertüncht fast immer die Gesichter mit weißer Farbe. Damit eröffnet er völlig neue Perspektiven auf bestehende Werke und ganze Sujets und hinterfragt unsere traditionellen Betrachtungsgewohnheiten.
Das professionelle Handwerkszeug für seine höchst eigenständigen Bildwelten erlernte Lars Teichmann in einem Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin. Seit 2004 werden seine Werke regelmäßig in deutschen und europäischen Galerien und Kunsthäusern ausgestellt.
Unikat | signiert | Mischtechnik auf Leinwand | ungerahmt | Format 140 x 160 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 30 x 40 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 40 x 30 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 40 x 30 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 40 x 30 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 102,5 x 72,5 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 40 x 30 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Limitiert, 150 Exemplare | nummeriert | signiert | Offsetdruck auf Papier | gerahmt | Format 41 x 51 cm
Die Arbeit "Atelier" wurde von Gerhard Richter für den Beitrag der Galerie René Block zur Kölner Kunstmarktmappe von 1968 angefertigt.
Limitiert | nummeriert | handsigniert | datiert | betitelt | Farbsiebdruck auf Papier | gerahmt | Format 131 x 108 cm
Die großformatige Farbserigrafie "ICE 2" entstand nach einem malerischen Vorbild und nimmt Gerhard Richters Ölgemälde "Eis 2" von 1989 zur Grundlage, das sich in der Sammlung des Art Institute of Chicago befindet.
In handwerklich virtuoser Manier wurde der Siebdruck mit 41 Farben auf elfenbeinfarbigem Büttenkarton gedruckt. Über einen dunkelgrauen Grund ziehen sich von nach unten weiße, gerakelte Farbbahnen, die partiell mit polychromen Highlights gewitterartig, überlagert werden.
Eine Komposition, die durch ihre brillante Farbbalance begeistert. Das Blatt wird nur extrem selten auf dem Markt angeboten.
Unikat | signiert | Acryl auf Papier | gerahmt | Format 85,5 x 65,5 cm
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 40 x 30 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
Unikat | signiert | Acryl auf Papier | gerahmt | Format 85,5 x 65,5 cm
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
Serielles Unikat | limitiert, 100 Exemplare | nummeriert | datiert | Bleistiftzeichnung über Offsetdruck auf Halbkarton | gerahmt | Format 54 x 41 cm
Die nach dem Engadiner Ort Sils-Maria betitelte Arbeit Gerhard Richters ist in der Konzeption und Ausführung besonders raffiniert. Ausgangspunkt für dieses serielle Unikat ist ein in zehn Graustufen gedruckter Pigmentprint einer Grafitzeichnung aus dem Jahr 2015, der der Künstler durch Verwischen der Grafitspuren, partielle Ausradierungen und das abschließende Auftragen einer körnigen Grafit-Struktur eine geheimnisvolle Anmutung gab.
So entstand eine zarte Atmosphäre feinster Halbtöne, die vage eine Landschaft umschreibt. Jedes Blatt der Offsetdruck-Auflage dieser Zeichnung bearbeitete Richter anschließend individuell mit Bleistift. Die klar voneinander abgesetzten Bleistiftstriche bilden dabei einen reizvollen Kontrast zu der Ausgangszeichnung und machen das Blatt zu einem Unikat in Serie.
Unikate | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 24 x 30 cm
Nina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
Unikate | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 24 x 30 cm
Nina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
Unikate | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 24 x 30 cm
Nina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
Unikate | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 24 x 30 cm
Nina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
Limitiert, 50 Exemplare | nummeriert | signiert | Heliogravur | gerahmt | Format 44 x 53 cm
Gerhard Richter zeigt sich als begeisterter Fotograf, der immer wieder Aufnahmen von Landschaften in Editionen umwandelt. Seine "Kanarischen Landschaften" basieren auf Fotografien, die er 1969 anfertigte. Die schmalen Linien, die jedes Bild umrahmen, geben dem Blatt einen dekorativen Charakter und stehen im Kontrast zum Bildmotiv, das kaum räumliche Tiefe vermittelt.
Für Richter ist bereits die Auswahl der Fotografie der Schritt zum Kunstwerk: "Ich versuchte, nichts Greifbares zu finden (...). Es ist also eine Art Flucht."
Original-Heliogravur, 1971. Aus einem Portfolio von sechs Motiven. Auflage 50 Exemplare auf Maschinenbüttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 11,5 x 22,7 cm. Blattformat 39,5 x 50 cm. Format im Rahmen 44 x 53 cm wie Abbildung.
Unikate | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 24 x 30 cm
Nina Römer, geboren 1978 in Moskau als N. Tangian und Meisterschülerin von Prof. A.R. Penck, und Torsten Römer, geboren 1968 in Aachen, arbeiten seit 1998 als Künstlerpaar in Berlin zusammen. Im selben Jahr riefen sie das unabhängige internationale Kunstprojekt M°A°I°S (Malerei°Abstraktion°Installation°Skulptur) ins Leben.
Römer + Römer sind stark im Kommen. Sie gehören zu den jungen Künstlern der „New German Art“, die mit ihren Kunstwerken den Kunstmarkt revolutionieren.
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
Limitiert | nummeriert | handsigniert | datiert | betitelt | Farbsiebdruck auf Papier | gerahmt | Format 131 x 108 cm
Die großformatige Farbserigrafie "ICE 2" entstand nach einem malerischen Vorbild und nimmt Gerhard Richters Ölgemälde "Eis 2" von 1989 zur Grundlage, das sich in der Sammlung des Art Institute of Chicago befindet.
In handwerklich virtuoser Manier wurde der Siebdruck mit 41 Farben auf elfenbeinfarbigem Büttenkarton gedruckt. Über einen dunkelgrauen Grund ziehen sich von nach unten weiße, gerakelte Farbbahnen, die partiell mit polychromen Highlights gewitterartig, überlagert werden.
Eine Komposition, die durch ihre brillante Farbbalance begeistert. Das Blatt wird nur extrem selten auf dem Markt angeboten.
Limitiert | nummeriert | handsigniert | datiert | betitelt | Farbsiebdruck auf Papier | gerahmt | Format 131 x 108 cm
Die großformatige Farbserigrafie "ICE 2" entstand nach einem malerischen Vorbild und nimmt Gerhard Richters Ölgemälde "Eis 2" von 1989 zur Grundlage, das sich in der Sammlung des Art Institute of Chicago befindet.
In handwerklich virtuoser Manier wurde der Siebdruck mit 41 Farben auf elfenbeinfarbigem Büttenkarton gedruckt. Über einen dunkelgrauen Grund ziehen sich von nach unten weiße, gerakelte Farbbahnen, die partiell mit polychromen Highlights gewitterartig, überlagert werden.
Eine Komposition, die durch ihre brillante Farbbalance begeistert. Das Blatt wird nur extrem selten auf dem Markt angeboten.
Limitiert, 50 Exemplare | nummeriert | signiert | Heliogravur | gerahmt | Format 44 x 53 cm
Gerhard Richter zeigt sich als begeisterter Fotograf, der immer wieder Aufnahmen von Landschaften in Editionen umwandelt. Seine "Kanarischen Landschaften" basieren auf Fotografien, die er 1969 anfertigte. Die schmalen Linien, die jedes Bild umrahmen, geben dem Blatt einen dekorativen Charakter und stehen im Kontrast zum Bildmotiv, das kaum räumliche Tiefe vermittelt.
Für Richter ist bereits die Auswahl der Fotografie der Schritt zum Kunstwerk: "Ich versuchte, nichts Greifbares zu finden (...). Es ist also eine Art Flucht."
Original-Heliogravur, 1971. Aus einem Portfolio von sechs Motiven. Auflage 50 Exemplare auf Maschinenbüttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 11,5 x 22,7 cm. Blattformat 39,5 x 50 cm. Format im Rahmen 44 x 53 cm wie Abbildung.
Serielles Unikat | limitiert, 100 Exemplare | nummeriert | datiert | Bleistiftzeichnung über Offsetdruck auf Halbkarton | gerahmt | Format 54 x 41 cm
Die nach dem Engadiner Ort Sils-Maria betitelte Arbeit Gerhard Richters ist in der Konzeption und Ausführung besonders raffiniert. Ausgangspunkt für dieses serielle Unikat ist ein in zehn Graustufen gedruckter Pigmentprint einer Grafitzeichnung aus dem Jahr 2015, der der Künstler durch Verwischen der Grafitspuren, partielle Ausradierungen und das abschließende Auftragen einer körnigen Grafit-Struktur eine geheimnisvolle Anmutung gab.
So entstand eine zarte Atmosphäre feinster Halbtöne, die vage eine Landschaft umschreibt. Jedes Blatt der Offsetdruck-Auflage dieser Zeichnung bearbeitete Richter anschließend individuell mit Bleistift. Die klar voneinander abgesetzten Bleistiftstriche bilden dabei einen reizvollen Kontrast zu der Ausgangszeichnung und machen das Blatt zu einem Unikat in Serie.
Serielles Unikat | limitiert, 100 Exemplare | nummeriert | datiert | Bleistiftzeichnung über Offsetdruck auf Halbkarton | gerahmt | Format 54 x 41 cm
Die nach dem Engadiner Ort Sils-Maria betitelte Arbeit Gerhard Richters ist in der Konzeption und Ausführung besonders raffiniert. Ausgangspunkt für dieses serielle Unikat ist ein in zehn Graustufen gedruckter Pigmentprint einer Grafitzeichnung aus dem Jahr 2015, der der Künstler durch Verwischen der Grafitspuren, partielle Ausradierungen und das abschließende Auftragen einer körnigen Grafit-Struktur eine geheimnisvolle Anmutung gab.
So entstand eine zarte Atmosphäre feinster Halbtöne, die vage eine Landschaft umschreibt. Jedes Blatt der Offsetdruck-Auflage dieser Zeichnung bearbeitete Richter anschließend individuell mit Bleistift. Die klar voneinander abgesetzten Bleistiftstriche bilden dabei einen reizvollen Kontrast zu der Ausgangszeichnung und machen das Blatt zu einem Unikat in Serie.
Unikat | signiert | datiert | Übermalte Fotografie | gerahmt | Format 43,5 x 52 cm
Unikat | signiert | datiert | Übermalte Fotografie | gerahmt | Format 43,5 x 52 cm
Unikat | signiert | datiert | Übermalte Fotografie | gerahmt | Format 43,5 x 52 cm
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
Offsetdruck auf granuliertem Halbkarton, begonnen 1967. Unlimitierte Auflage, nummeriert, datiert und handsigniert (hier angeboten 19.2.2014).
Motivgröße/Blattformat 23,5 x 18 cm.
Format im Rahmen 27 x 22 cm wie Abbildung.
Offsetdruck auf granuliertem Halbkarton, begonnen 1967. Unlimitierte Auflage, nummeriert, datiert und handsigniert (hier angeboten 19.2.2014).
Motivgröße/Blattformat 23,5 x 18 cm.
Format im Rahmen 27 x 22 cm wie Abbildung.
Limitiert, 150 Exemplare | nummeriert | signiert | Offsetdruck auf Papier | gerahmt | Format 41 x 51 cm
Die Arbeit "Atelier" wurde von Gerhard Richter für den Beitrag der Galerie René Block zur Kölner Kunstmarktmappe von 1968 angefertigt.
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
Limitiert, 60 Exemplare | nummeriert | signiert | Siebdruck und Offestdruck | gerahmt | Format 84 x 113 cm
Die Edition "Haut II" basiert nicht, wie die meisten von Gerhard Richters Editionen, auf einem eigenen Gemälde oder einer Fotografie eines Gemäldes - sie entstand nach einer Fotoarbeit von Richters Künstlerkollegen Carsten Nicolai (*1965) und stellt damit bereits in ihrer Entstehungsgeschichte eine Besonderheit dar. Die dieser Edition zugrunde liegende Fotografie Nicolais mit dem Titel "milch, 75 hz" aus dem Jahr 2000 untersucht in einer Serie die Auswirkung von Schallschwingungen auf eine Milchoberfläche.
Die so entstehenden Schallwellen-Zeichnungen sind ästhetisch äußerst reizvoll und verbildlichen die Interaktion zwischen akustischen Signalen und optischen Mustern. Richter modifizierte Nicolais Ausgangsmotiv stark und führt so eine Unschärfe herbei, die für sein Werk ebenso charakteristisch ist wie die Schwarz-Weiß-Abstufungen.
Siebdruck und frequenzmodulierter Offsetdruck, 2004. Auflage: 60 Exemplare auf Büttenkarton, nummeriert und handsigniert. Motivgröße 60,9 x 89,9 cm. Blattformat 73 x 100 cm. Format im Rahmen 84 x 113 cm wie Abbildung.
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
Limitiert, gesamt 120 Exemplare | nummeriert | signiert | datiert | bezeichnet | Offsetdruck | gerahmt | Format 106 x 107 cm
Neben seinem malerischen Werk hat Gerhard Richter seit 1965 ein ebenso umfangreiches wie vielseitiges grafisches OEuvre geschaffen. So sind in den letzten Jahren gerade auch seine vielfältigen Editionen immer mehr in den Fokus interessierter Sammlerinnen und Sammler gerückt.
Eine handsignierte und nummerierte Arbeit von Richter aus dem Jahr 2008 können wir Ihnen hier exklusiv anbieten. Das Motiv der Edition wurde am Computer per Zufallsprinzip entworfen und vereint 40.000 schwarz-weiße Quadrate, die in ihrer Gesamtheit wie ein flirrendes Störbild oder ein rätselhafter Code wirken.
Ein Exemplar dieser Auflage war 2017 in der bedeutenden Schau "Gerhard Richter. Die Editionen" im Museum Folkwang in Essen ausgestellt.
Offsetdruck in Schwarz eines am Computer per Zufallsprinzip entworfenen Motives, 2008. Auflage: 100 Exemplare arabisch nummeriert + 20 Exemplare römisch nummeriert, datiert, bezeichnet und handsigniert. Motivgröße/Blattformat 94 x 94 cm. Format im Rahmen 106 x 107 cm wie Abbildung.
Limitiert, 150 Exemplare | nummeriert | signiert | Offsetdruck auf Papier | gerahmt | Format 41 x 51 cm
Die Arbeit "Atelier" wurde von Gerhard Richter für den Beitrag der Galerie René Block zur Kölner Kunstmarktmappe von 1968 angefertigt.
Limitiert, 150 Exemplare | nummeriert | signiert | Offsetdruck auf Papier | gerahmt | Format 41 x 51 cm
Die Arbeit "Atelier" wurde von Gerhard Richter für den Beitrag der Galerie René Block zur Kölner Kunstmarktmappe von 1968 angefertigt.
Tusche auf Papier, 1991. Signiert. Motivgröße/ Blattformat 16 x 23,5 cm. Format im Rahmen 31,5 x 43,5 cm wie Abbildung.
Prisma aus Schwerflintglas, in aufklappbarem Etui aus Karton mit Leinenbezug, 2002. Auflage: 80 Exemplare arabisch + 20 Exemplare römisch, mit Filzstift handsigniert, im Inneren des Etuis nummeriert, Datum auf Etui geprägt.
Werkverzeichnis: Butin 120. Höhe: 4,7 cm. Breite: 16 cm. Tiefe: 4,1 cm.
Tusche auf Papier, 1991. Signiert. Motivgröße/ Blattformat 16 x 23,5 cm. Format im Rahmen 31,5 x 43,5 cm wie Abbildung.
Acryl auf Leinwand, 2021. Signiert. Ungerahmt. Format auf Keilrahmen gespannt 210 x 260 cm.
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
Offsetdruck auf handgeschöpftem Japanbüttenpapier, 1996. Aus der Auflage von 20 Exemplaren, nummeriert, handsigniert und datiert. Werkverzeichnis Butin 88. Motivgröße 17,8 x 25,2 cm. Blattformat 44 x 43,7 cm. Format im Rahmen 49 x 48,5 cm wie Abbildung.
Offsetdruck auf handgeschöpftem Japanbüttenpapier, 1996. Aus der Auflage von 20 Exemplaren, nummeriert, handsigniert und datiert. Werkverzeichnis Butin 88. Motivgröße 17,8 x 25,2 cm. Blattformat 44 x 43,7 cm. Format im Rahmen 49 x 48,5 cm wie Abbildung.
Offsetdruck auf handgeschöpftem Japanbüttenpapier, 1996. Aus der Auflage von 20 Exemplaren, nummeriert, handsigniert und datiert. Werkverzeichnis Butin 88. Motivgröße 17,8 x 25,2 cm. Blattformat 44 x 43,7 cm. Format im Rahmen 49 x 48,5 cm wie Abbildung.
Prisma aus Schwerflintglas, in aufklappbarem Etui aus Karton mit Leinenbezug, 2002. Auflage: 80 Exemplare arabisch + 20 Exemplare römisch, mit Filzstift handsigniert, im Inneren des Etuis nummeriert, Datum auf Etui geprägt.
Werkverzeichnis: Butin 120. Höhe: 4,7 cm. Breite: 16 cm. Tiefe: 4,1 cm.
Prisma aus Schwerflintglas, in aufklappbarem Etui aus Karton mit Leinenbezug, 2002. Auflage: 80 Exemplare arabisch + 20 Exemplare römisch, mit Filzstift handsigniert, im Inneren des Etuis nummeriert, Datum auf Etui geprägt.
Werkverzeichnis: Butin 120. Höhe: 4,7 cm. Breite: 16 cm. Tiefe: 4,1 cm.
Prisma aus Schwerflintglas, in aufklappbarem Etui aus Karton mit Leinenbezug, 2002. Auflage: 80 Exemplare arabisch + 20 Exemplare römisch, mit Filzstift handsigniert, im Inneren des Etuis nummeriert, Datum auf Etui geprägt.
Werkverzeichnis: Butin 120. Höhe: 4,7 cm. Breite: 16 cm. Tiefe: 4,1 cm.
Acryl auf Leinwand, 2021. Signiert. Ungerahmt. Format auf Keilrahmen gespannt 210 x 260 cm.
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
Acryl auf Leinwand, 2021. Signiert. Ungerahmt. Format auf Keilrahmen gespannt 210 x 260 cm.
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
Acryl auf Leinwand, 2021. Signiert. Ungerahmt. Format auf Keilrahmen gespannt 210 x 260 cm.
Am Puls der Zeit arbeiten - so schafft der 1978 in Berlin geborene, lebende und arbeitende Künstler Christian Awe Werke unterschiedlichster Formate voller emotionaler Intensität. Inzwischen ist der ehemalige Student der Universität der Künste in Berlin international erfolgreich, wovon Einzelausstellungen in Istanbul, Perm (Russland) und Miami zeugen. Zudem führten ihn Lehraufträge an die Universitäten von Princeton und Yale.
Seine wohlüberlegten Kompositionen erfreuen durch kraftstrotzende Farbigkeit und faszinieren durch ihre komplexe Oberflächenstruktur. Diese erzeugt der Künstler durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien wie Acrylfarbe, Tusche und Lack sowie durch die Kombination aus klassischer Malerei, Zeichnung und Sprühtechnik. Schicht für Schicht erarbeitet sich Awe die unverwechselbare Wirkung seiner Kunstwerke, wobei er immer wieder vereinzelte Bildpartien ab- und wieder aufträgt.
Offsetdruck auf granuliertem Halbkarton, begonnen 1967. Unlimitierte Auflage, nummeriert, datiert und handsigniert (hier angeboten 19.2.2014).
Motivgröße/Blattformat 23,5 x 18 cm.
Format im Rahmen 27 x 22 cm wie Abbildung.
Prisma aus Schwerflintglas, in aufklappbarem Etui aus Karton mit Leinenbezug, 2002. Auflage: 80 Exemplare arabisch + 20 Exemplare römisch, mit Filzstift handsigniert, im Inneren des Etuis nummeriert, Datum auf Etui geprägt.
Werkverzeichnis: Butin 120. Höhe: 4,7 cm. Breite: 16 cm. Tiefe: 4,1 cm.
Prisma aus Schwerflintglas, in aufklappbarem Etui aus Karton mit Leinenbezug, 2002. Auflage: 80 Exemplare arabisch + 20 Exemplare römisch, mit Filzstift handsigniert, im Inneren des Etuis nummeriert, Datum auf Etui geprägt.
Werkverzeichnis: Butin 120. Höhe: 4,7 cm. Breite: 16 cm. Tiefe: 4,1 cm.
Prisma aus Schwerflintglas, in aufklappbarem Etui aus Karton mit Leinenbezug, 2002. Auflage: 80 Exemplare arabisch + 20 Exemplare römisch, mit Filzstift handsigniert, im Inneren des Etuis nummeriert, Datum auf Etui geprägt.
Werkverzeichnis: Butin 120. Höhe: 4,7 cm. Breite: 16 cm. Tiefe: 4,1 cm.
Offsetdruck auf granuliertem Halbkarton, begonnen 1967. Unlimitierte Auflage, nummeriert, datiert und handsigniert (hier angeboten 19.2.2014). Motivgröße/Blattformat 23,5 x 18 cm. Format im Rahmen 27 x 22 cm wie Abbildung.
Prisma aus Schwerflintglas, in aufklappbarem Etui aus Karton mit Leinenbezug, 2002. Auflage: 80 Exemplare arabisch + 20 Exemplare römisch, mit Filzstift handsigniert, im Inneren des Etuis nummeriert, Datum auf Etui geprägt.
Werkverzeichnis: Butin 120. Höhe: 4,7 cm. Breite: 16 cm. Tiefe: 4,1 cm.
Unikat | signiert | Öl auf Holz | gerahmt | Format 25,5 x 25,5 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Unikat | signiert | Öl auf Holz | gerahmt | Format 25,5 x 25,5 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Lack auf Leinwand | ungerahmt | Format 200 x 160 cm
Der deutsche Maler Lars Teichmann lässt in seinen großformatigen Gemälden historische Malerei und zeitgenössische Attitüde aufeinanderprallen. Ausgangspunkte für seine Werke sind meist Motive aus vergangenen Epochen wie Klassizismus oder Barock.
Die opulenten Darstellungen unterzieht er einem radikalen und expressiven Behandlungsprozess. Teichmann abstrahiert die Personen bis auf ihre Konturen, entzieht den Bildern die Farbvielfalt, fügt Farbschlieren und -kleckse hinzu und übertüncht fast immer die Gesichter mit weißer Farbe. Damit eröffnet er völlig neue Perspektiven auf bestehende Werke und ganze Sujets und hinterfragt unsere traditionellen Betrachtungsgewohnheiten.
Das professionelle Handwerkszeug für seine höchst eigenständigen Bildwelten erlernte Lars Teichmann in einem Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin. Seit 2004 werden seine Werke regelmäßig in deutschen und europäischen Galerien und Kunsthäusern ausgestellt.
Unikat | signiert | Öl auf Holz | gerahmt | Format 25,5 x 25,5 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Lack auf Leinwand | ungerahmt | Format 200 x 160 cm
Der deutsche Maler Lars Teichmann lässt in seinen großformatigen Gemälden historische Malerei und zeitgenössische Attitüde aufeinanderprallen. Ausgangspunkte für seine Werke sind meist Motive aus vergangenen Epochen wie Klassizismus oder Barock.
Die opulenten Darstellungen unterzieht er einem radikalen und expressiven Behandlungsprozess. Teichmann abstrahiert die Personen bis auf ihre Konturen, entzieht den Bildern die Farbvielfalt, fügt Farbschlieren und -kleckse hinzu und übertüncht fast immer die Gesichter mit weißer Farbe. Damit eröffnet er völlig neue Perspektiven auf bestehende Werke und ganze Sujets und hinterfragt unsere traditionellen Betrachtungsgewohnheiten.
Das professionelle Handwerkszeug für seine höchst eigenständigen Bildwelten erlernte Lars Teichmann in einem Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin. Seit 2004 werden seine Werke regelmäßig in deutschen und europäischen Galerien und Kunsthäusern ausgestellt.
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Lack auf Leinwand | ungerahmt | Format 200 x 160 cm
Der deutsche Maler Lars Teichmann lässt in seinen großformatigen Gemälden historische Malerei und zeitgenössische Attitüde aufeinanderprallen. Ausgangspunkte für seine Werke sind meist Motive aus vergangenen Epochen wie Klassizismus oder Barock.
Die opulenten Darstellungen unterzieht er einem radikalen und expressiven Behandlungsprozess. Teichmann abstrahiert die Personen bis auf ihre Konturen, entzieht den Bildern die Farbvielfalt, fügt Farbschlieren und -kleckse hinzu und übertüncht fast immer die Gesichter mit weißer Farbe. Damit eröffnet er völlig neue Perspektiven auf bestehende Werke und ganze Sujets und hinterfragt unsere traditionellen Betrachtungsgewohnheiten.
Das professionelle Handwerkszeug für seine höchst eigenständigen Bildwelten erlernte Lars Teichmann in einem Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin. Seit 2004 werden seine Werke regelmäßig in deutschen und europäischen Galerien und Kunsthäusern ausgestellt.
Unikat | signiert | datiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 240 x 190 cm
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
Unikat | signiert | datiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 240 x 190 cm
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
Unikat | signiert | datiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 240 x 190 cm
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
Unikat | signiert | datiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 240 x 190 cm
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
Unikat | signiert | datiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 240 x 190 cm
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
Unikat | signiert | Öl auf Holz | gerahmt | Format 25,5 x 25,5 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Unikat | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 120 x 150 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Schellack auf Leinwand | ungerahmt | Format 100 x 80 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen.
Unikat | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 120 x 150 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Schellack auf Leinwand | ungerahmt | Format 100 x 80 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen.
Unikat | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 120 x 150 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Unikat | signiert | datiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 240 x 190 cm
Augenblicke in der Großstadt: Eine junge Frau überquert die regennasse Straße, ein Marktschirm erstrahlt im Sonnenlicht - Augenblicke, eben noch wirklich, schon vergangen. Edward B. Gordon (*1966) kann sie in Bildern festhalten, gibt ihnen in groben Pinselstrichen und satten Farben ihre Lebendigkeit zurück.
2006 beginnt er, jeden Tag ein Bild zu malen, 15 mal 15 Zentimeter, stellt es ins Internet und baut aus dem Nichts eine internationale Sammlerschaft auf. In dieser täglichen Arbeit und Disziplin entwickelt er seine Malerei. "Seitdem ich damit angefangen habe, jeden Tag ein Bild zu malen, sind mir viele Dinge bewusster geworden, beispielsweise das Wetter und die Jahreszeiten, insbesondere ihr leiser und manchmal dramatischer Wechsel, die Veränderungen des Lichts und der Stimmung... Meine Wahrnehmung hat sich zweifelsohne verändert. Ich habe dabei das Sehen gelernt, anstatt nur zu schauen."
Zahlreiche größere Gemälde entstehen, an denen Gordon Monate oder über Jahre arbeitet. Sie zeigen Orte zum Verweilen, erzählen von flüchtigen Augenblicken. Nirgends entfaltet sich sein malerisches Können so wie hier, wenn er auf großer Leinwand Alltagsszenen in überwältigende Poesie verwandelt.
Unikat | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 120 x 150 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Schellack auf Leinwand | ungerahmt | Format 100 x 80 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 102,5 x 72,5 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Mischtechnik auf Leinwand | ungerahmt | Format 140 x 160 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen.
Unikat | signiert | Mischtechnik auf Leinwand | ungerahmt | Format 140 x 160 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 102,5 x 72,5 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 102,5 x 72,5 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Mischtechnik auf Leinwand | ungerahmt | Format 140 x 160 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen.
Unikat | signiert | datiert | Acryl und Schellack auf Leinwand | ungerahmt | Format 100 x 80 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen.
Unikat | signiert | Mischtechnik auf Leinwand | ungerahmt | Format 140 x 160 cm
Die Kunst von Cornelia Schleime, geboren 1953 in Berlin, ist geprägt von einem reizvollen Hang zur Übertreibung. Ihre künstlerischen Mittel, ob Malerei, Musik, Literatur oder Film, sind beeindruckend vielfältig.
Cornelia Schleime zählt zu den bekanntesten deutschen Malerinnen ihrer Generation. Neben der Malerei ist sie auch als Fotografin, Filmerin, Performerin und Autorin künstlerisch tätig. In Ost-Berlin geboren, studiert Schleime an der Hochschule für Bildende Künste Dresden Grafik und Malerei, erhält jedoch 1981 ein Ausstellungsverbot und erwirkt 1984 die Ausreise aus der DDR. Nur wenige ihrer Arbeiten kann sie mitnehmen; so dass ein Großteil ihres Frühwerkes heute als verschollen gilt.
Vielbeachtet sind vor allem ihre Porträts. Seit den 1990er-Jahren holt sie ihre Protagonisten näher und näher heran. Sie entwickelt eindringliche Bildnisse von Frauen und Kindern, von sich küssenden Paaren, von lasziven Nonnen, sogar vom Papst. Mit forschendem Blick nähert sich die Künstlerin dabei dem Gesicht, dem sich ständig verändernden Antlitz des menschlichen Wesens – es wird eingewickelt, verschleiert, mitunter zur Maske.
Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 102,5 x 72,5 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 30 x 40 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 30 x 40 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 30 x 40 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 32 x 26 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.
Unikat | signiert | Öl auf Leinwand | ungerahmt | Format 120 x 150 cm
Elisabeth Tatenberg (*1953 in Hamburg) widmet in ihrem Werk den Farbflächen ganz besondere Aufmerksamkeit. Dabei überträgt sie reale Lichtmomente am Himmel auf die Leinwand und erzeugt so eine einzigartige meditative Sphäre.
Die konturlosen Farbverläufe sind das Ergebnis eines aufwändigen Malprozesses, in dem Tatenberg die Ölfarben mehr und mehr verteilt, bis sie miteinander verwoben sind und alle Spuren des Handwerklichen verwischt sind. So können die Farbflächen zu reinen Projektionsflächen für Gedanken, Emotionen und Träumen des Betrachters werden. "Es muss erst 'Nichts' werden, bevor es 'Alles' sein kann - erst dann ist die Fläche beseelt", sagt Tatenberg über ihre Arbeit.
Unikat | signiert | Collage | gerahmt | Format 30 x 40 cm
Marion Eichmann (*1974 in Essen) studierte an der Universität der Künste Berlin sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
Nach dem Studium entdeckte sie bei einem Aufenthalt in Tokio die Arbeitsweise des Scherenschnitts für sich, der in der japanischen Kultur eine lange Tradition hat und "Kirigami" genannt wird. Dieses klassische Verfahren des Scherenschnitts überträgt Eichmann in die Dreidimensionalität, indem sie auf virtuose Weise mehrere Papierschichten übereinander klebt. Es entstehen polychrome Kompositionen - von Blumenbouquets über Stadt- und Ladenansichten bis hin zu Kaugummi- und Spielautomaten - die zwischen Abstraktion und Figuration changieren.
Die Künstlerin lotet so die Grenze zwischen Collage, traditioneller Handwerkskunst und Malerei neu aus und erinnert in ihrer Arbeitsweise an die späten Werke von Henri Matisse.
2019 erhielt die in Berlin lebende und arbeitende Marion Eichmann den renommierten "Kunstpreis Kunstverein Münsterland", der mit einer großen Einzelausstellung im Kunstverein Münsterland in Coesfeld verbunden war. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderem der von Hasso Plattner.